Interesting Afternoon Programs

HW for April 5 - Malcolm X

Comment on the rhetoric strategies used in "The Ballot or the Bullet" (1964) to create allegiance or non-alignment to different addressees and ideas of democracy.

Sylvia Plath reads "Daddy"

• Non-stop writing during 5, 10, 15 or 20 min.
• Never lift pen from paper
• If you have nothing to write, write "I have nothing to write (or “Eu não tenho nada para escrever”) (as many times you need)
• Pay no heed to grammar, ortography, style or coherence
• Do not cross over or rewrite (write the new idea, but leave the old one)
• This is a personal and private exercise; shraing will depend on the will of the author and will never be for assessment.


ADVANTAGES

• It generally demistifies and makes us comfortable with the act of writing
• Helps to overcome writer's block and self-sensorship
• Perspectivates writing as an activity that is also physical, requiring predisposition and availability of the body
• Helps search for writing topics / brainstorming
• Helps to find motivations for writing
• It is a self-discovery tool, a verbal expression of the I and of empowerment through writing.
• It is useful to define characters, settings or situations
• Indicators point to improvement in writing skills, especially in English as a Foreign Language

Glossary of Literary Movements

A good resource for diverse Modernist and Post-Modernist (mainly) Poetic movements, including the Beats and Confessional Poetry: http://www.poetryfoundation.org/learning/glossary-terms?category=schools-and-periods

Ted Hughes's Letter to Sylvia Plath (by Ana Fialho and Bárbara Borges)

Dear Sivvy,

Time goes by slowly when you’re lonely. Your child has now seen April Snowdrops, Indian Pipes, everything that was grand or classical, but, my dear, his sky is sometimes without a star. I too see it has none now. Under his eyes there are marks of one who is troubled yet, underneath his worry, underneath his tumultuous anxious gaze lie those dark clear ingenuous eyes, its light sometimes dimmer, sometimes dazzling, sometimes sparking.

Mystery still haunts me as I wonder what it was that made you wring and wring your hands, your body? My dear, how was he not a star in our bedroom’s ceiling?

He is a wrinkled stalk, she is too, I am a stalk stepped on, trampled, cut. You were and we still are in this zoo waiting patiently for colours and ducks. I forever wonder where you were, they forever wonder who you were. 

My dear, I regret how the events turned out. Yesterday, I received a strange package with the date 12^th February 1963. Inside, a peculiar letter said the following:

Dear Mrs. Plath,

Once upon a time I was dead too. I did not need to try to be dead. I was dead. Twice for that matter. My brain slowly deconstructed itself and as time passed the emptiness invaded my soul. I was weak, at that time. So fragile that the thinnest drop of water would fill me up like the ocean.

The world looked at me as if I was already the corpse, as if my blood had stopped running and my body was starting to smell like the river bottom, dark green algae, still in space and time. I kept very still, I waited. I waited so long I learned how to become the Berlin Wall. I was the Berlin Wall. I am a wasted Berlin Wall. At a young age I was dead. I survived not to tell the story. Multitudes gathered around not to look at me, though I was dead. And people like seeing the dead. But, like I said, I survived.

I am now old. Too old to live the life that was set out for me. I am an old, quiet woman, I am still. I do not bother the world. The world breathes without me. Two decades in and is now time to see the dead. To feel the dead. I imagined you immortal, at least as mortal as me. You surprised me, I do not believe.

It is indeed “the theatrical”. I was melting, I was dying and people moved along me, didn’t see me, and I saw them. But it wasn’t about me. It still isn’t. It’s about you, who died, and me, who fights to be alive again. It’s about me, the Lady Lazarus. To be.

Yours,

Lady Lazarus, to be.

You can imagine my surprise to read such accounts, which, I suppose, could not complete their purpose. They seem so ironic now that you are gone. I fancy that perhaps if they had reached your hands, if they had been sent a day earlier, they could have saved you. They could have stopped what I could not. 

Questioning, wondering,

Homework for March 31st

Compare "Howl's" part II (Moloch) by Allen Ginsberg with Sylvia Plath's poem "Daddy", considering preferred themes, rhetoric devices, real world/historical references, poetic form(s).

"Arctic Monkeys" - "You're so Dark" (suggested by Ana Ramos)

Considering how important Poe was for Ginsberg, and is for yours truly, Margarida, I especially thank this suggestion.

You got your H.P. Lovecraft
Your Edgar Allan Poe
You got your unkind of ravens
And your murder of crows
Catty eyelashes and your Dracula cape
Been flashing triple A passes
At the cemetary gates

Cause you're so dark, babe
But I want you hard
You're so dark, babe
You're so dark
You're so dark
You're so dark

And you're so mysterious
Got that obsession with death
I saw your driving your Prius
And even that was Munster Koach-esque
You watch Italian horror and you listen to the scores
Leather-clad and spike collar
I want you down on all fours

Cause you're so dark, babe
But I want you hard
You're so dark, babe

I know you're nothing like mine
Cause she's walking on sunshine
And your love would tear us apart
And I know I'm not your type
Cause I don't shun the daylight
But baby I'm willing to start

You're so dark

Got your H.P. Lovecraft
Your Edgar Allen Poe
Got your unkind of ravens
Got your murder of crows

You're so dark, babe
But I want you hard
You're so dark, baby
But I want you hard
You're so dark, oh
But I want you hard
You're so dark, baby

Literary text analysis of excerpt from "Howl" (Part I) by Allen Ginsberg

Importance of the text within the context of the author’s work and time [as way of introduction]

The excerpt belongs to the first part of Allen Ginsberg’s “Howl”, whose reciting in 1955 and publication in 1956 was a landmark for the Beat Generation, a group of young artists and post-war intellectuals who felt downcast (beat) by world politics (the atom bomb), government control and capitalist society, preferred a marginal way of life and were greatly influenced by the blast and freedom of the jazz scene. Replicating with their typewriters the fury of the improptu beat, they sought also a closer relationship between life and art (more intimacy) and, valuing spontaneity, their writing was often a continuum of the heartbeat.

Structure and form:

Situated near the poem’s beginning, the excerpt fits into the first part, that describes the contrary and frenetic urges (urgency, desire and violence are at once convoked through the poem’s title, “Howl”) of the poet’s peers, “the best minds of my generation.” Following this description, the second part deals with the materialistic, capitalist and machinal worldview that holds its sway over these individuals. The third part adopts a more intimate register to address a particular generation member – Carl Solomon – and to establish a bond with him, and a later footnote recasts the first part’s jeremiad’s tone into a praise, striving for redemption and acceptance.

The excerpt begins by adopting an additional characterization for the “best minds”, “a lost battalion of platonic conversationalists” and continues with the pattern of initiating almost every line with the relative personal pronoun, “who”, an anaphor that permits a catalogue of features (like in Whitman’s Leaves of Grass, an archtypical text for Ginsberg) to be heaped onto this generation, whose actions are also described in an enumerative style, which helps to create a rhythm of velocity. This rhythm, letting one to pause for breath only through the expirational “who”, allows for the lines to be joined together. In fact, thoughout this long poem Ginsberg uses the innovation of presenting the lines as odd paragraphs, with a very sparce puncutation that gives way to free association, mixing poetry with Kerouac’s precepts of “spontaneous prose”.

Subject of enunciation and point of view

From the beginning of the poem (“I saw”) we know this is a first person testimony, although the constant employment of “who”, referencing a third collective party, the poet’s generation, offers such “cry” or “Howl” as representative. This third person shift, occuring throughout this excerpt and in fact to the end of the poem’s first part, creates some distanciation. The colloquial tone, however, unmistakably asserts that the poet was a participative witness in the conversations and ravings of his generation, also potentially contributing to empathy with the reader: “yacketayakking screaming vomiting whispering”.

Thematic threads along with rhetoric devices + symbolism

In this excerpt, the main thematic thread describing this generation is perhaps the excess of drugs, coupling a state of vagrancy, sometimes helplessness, with the paradoxical search for visionarism, beyond the bleak reality of the US 50’s. These simultaneous and contradictory urges are expressed through hyperbole and paradox – in the excerpt’s first line there is sinking and self-destruction but always from higher places (“fire escapes”, “windowsills”, “Empire State”, “the moon”). Redundancy at times achieves the same effect of juxtaposing realities, as in the excerpt’s last line, where the lack of punctuation in “seeking visionary indian angels who were visionary indian angels” allows for the interpretation that the seekers were already what they sought, visionary.

This last line also indicates another theme, the urge for a previous state of innocence or primitivism (“indians”) that would also facilitate a closer relationship to nature, as that propugnated by the “founding” strain of transcendentalism in American literature – hence, perhaps, the allusion to “grandfather night” in the line that bespeaks this generation’s movement in boxcars “through snow towards lonesome farms”.

The reference to boxcars compounds the previsous lines’s “wander[ing]… in the railyard”, and gives centrality to the train, which like the car was crucial to this generation’s apology of movement through space. Dislocation is pictured as aimless (“vanished into nowhere”, “wondering where to go”) but crucial, whether through real transports of through the transportation of drug (ab)use and withdrawal (and free association in writing leads easily from one to the other (“migraines of China under junk-withdrawal in Newark”).

The repetition of “boxcars boxcars boxcars” give us simultaneously a sonorous impression (the bipartition of the consonantic phonemes “b” and “p” replicates the sound of the train “racketing through”) and a visual image of the train – which is perhaps also an ambiguous symbol of modern society and progress, as it can as well be seen as entrapping, inside boxes. Unmistakably oppressive are the mechanisms of control and distribution of power of the poet’s conteporaneous post-war society (“shocks of hospitals and jails and wars”)

While being heavily contextually marked (“Tangerian bone-grindings” most probably refers to one of the poet’s friends, Burroughs, short stay in Tangier, and “postcards of Atlantic City Hall” has the ring of a private joke), the poem at once strives for speed and intemporality. Speed is marked through the absence of commas but also through polyssindotous in the enumerations “facts and memories and anecdotes and eyball kicks and shocks”), as well as through profuse alliteration, which seems to make everything overlap into a screaming instant (for instance the vibrant and nasal sounds in “bonegrinding and migraines”). Also, place is felt at once as compressed and expansible: “the cosmos instintictively vibrated at their feet in Kansas”,  as if the corrosion of space and time categories led to the ideal happening of creation, invoked through a subtle biblical allusion: “in total recall for seven days and nights with brilliant eyes”.

Intertextuality

While “brilliant eyes” might allude ironically to drug consumption, it also resonates with the previous “best minds”, longing for visionary states. The preference for philosophical idealism is present in intertextual references to Plato (in “platonic conversations”), Plotino, while mysticism and supernatural awe are underlined by the references to “Poe” or “St John of Cross”. These overlapping of cultural references serves to show how cultured were the “best minds” but also how permeable to influence from different traditions and times. On the other hand, one may speculate that the author’s Jewishness surfaces in two contradictiory instances: the first seems to align institutional religiousness to socially stratified urbanism – “meat for the synagoge cast on the pavement”, while the second aligns the new musical counterculture (“bop”) with the exegesis of Scripture (“Kabballah”)

Conclusion

“Bop Keballah” is one of the surprising collocations in this excerpt (another being “Zen New Jersey”) that signals this generation’s synchretic hunger for knowledge and revelation. This revelatory impulse was, for its members, compatible with a life of excess and reckless freedom, in opposition to the sense of control imparted by middle-class America and the capitalist ideology of its politics.

Homework for March 29th

Comment on the interconnection between the parts of the poem Howl.
In the meantime, you can listen to Allen Ginsberg reading:

http://www.youtube.com/watch?v=WkNp56UZax4

3 quotes and 4 photographs related to Beat Poetry

"Poetry can stand out as the one beacon of sanity, a beacon of individual clarity, and lucidity in every direction — whether on the Internet or in coffee houses or university forums or classrooms. Poetry, along with its old companion, music, becomes one means of communication that is not controlled by the establishment." (Allen Ginsberg, 1996)

"the poem itself must, at all points, be a high-energy construct and, at all points, an energy-discharge. (...)
And the line comes (I swear it) from the breath, from the breathing of the man who writes, at the moment that he writes, and thus is, it is here that, the daily work, the WORK, gets in, for only he, the man who writes, can declare, at every moment, the line its metric and its ending — where its breathing, shall come to, termination.
(...)
It is an advantage of the typewriter that, due to its rigidity and its space precisions, it can, for a poet, indicate exactly the breath, the pauses, the suspensions even of syllables." (Charles Olson, Projective Verse", 1950)

"SET-UP The object is set before the mind, either in reality. as in sketching (before a landscape or teacup or old face) or is set in the memory wherein it becomes the sketching from memory of a definite image-object.
PROCEDURE Time being of the essence in the purity of speech, sketching language is undisturbed flow from the mind of personal secret idea-words, blowing (as per jazz musician) on subject of image.
METHOD No periods separating sentence-structures already arbitrarily riddled by false colons and timid usually needless commas-but the vigorous space dash separating rhetorical breathing (as jazz musician drawing breath between outblown phrases)" (Jack Kerouac, from Essentials of Spontaneous Prose, c. 1953)

Carr, Kerouac, Ginsberg, Burroughs

Clips do filme "Howl" por Rob Epstein, Jeffrey Friedman (2010)

protagoizado por James Franco (um luso-americano!)
aqui, o link onde podem ver o filme todo em streaming: http://ffilms.org/howl-2010/

Geração Beat

artigo de 1952 de John Clellon Holmes: http://www.litkicks.com/Texts/ThisIsBeatGen.html

Debate #2: Pro-movie Fahrenheit 451 (Gabriel, Ricardo Rodrigues, Ricardo Silva)

Começando por admitir que temos completa consciência de que estamos a defender um filme cuja qualidade e mérito como adaptação sofre significativamente devido a algumas divergências em relação ao livro, fazemos questão de argumentar que Fahrenheit 451 de François Truffaut fez os possíveis dentro das limitações do cinema na década de 60 para transpôr e, por vezes condensar, 159 páginas que cobrem uma míriade de tópicos e conceitos sócio-filosóficos em quase duas horas de filme.

 Concordamos com a oposição na questões da evaporação da essência do Capitão Beatty, uma das personagens mais relevantes do livro, das diferenças da dinâmica entre Montag e a sua mulher e até mesmo do extremismo do filme em equiparar os bombeiros com os nazis sem qualquer subtileza. Constatando que falamos de um filme que nasce da adaptação de um dos melhores romances da história da literatura americana, que levou Bradbury ao estrelato, dentro do género, temos de reconhecer que a transformação da obra pode fazê-la perder conteúdo literário. Contudo, desvalorizamos esta perda por considerarmos que, mesmo tratando-se de uma mesma obra em formato diferente, o filme, com todas as limitações de tempo, económicas ou de produção que pudesse ter, é uma boa adaptação do texto literária e captura o centro das questões no tempo, mantendo-o actual, não sendo de todo necessário ler o livro para entender esta peça cinematográfica como uma obra-prima de Truffaut. Insistimos com o ponto inegável de que o filme, apesar de todas as pequenas alterações efectuadas mantém-se fiel à obra original a um grau em que as ideias e temas principais continuam presentes.

Sublinhamos que as discordâncias entre o hipo e o hipertexto não são sempre os melhores medidores da qualidade de uma adaptação, muito menos os únicos. Voltamos a referir os múltiplos exemplos de adaptações de obras literárias para filmes (Bladerunner; Wuthering Heights), de obras literárias paraséries televisivas (Man in the High Castle), de obras literárias para videojogos (World of Warcraft), e até de bandas desenhadas para filmes (Watchmen), onde a adaptação, com todos os desvios da história original que comporta, continua a ser reputada como uma peça de alto valor. 

Afirmamos, com certeza, que a estética e a banda sonora (Bernard Hermann) são, também, duas chaves importantes nesta construção, que contribuem para um romance que se prende a uma sequência de pensamentos dramáticos debruçados numa sociedade quase pós-apocalíptica, onde assenta na perfeição a inspiração que Truffaut vai buscar ao mestre do suspense: Hitchcock. Alguns dos exemplos que apontam para a importância destes detalhes serão a utilização do vermelho (associado ao fogo, símbolo de purificação e/ou fonte da construção do conhecimento da humanidade) e do cinzento (simbolo de estabilidade, depressão, rigidez ou falta de emoção), ou mesmo a narração dos créditos iniciais, enquanto são filmadas antenas de televisão caseiras, sugerindo à partida a ideia que contempla todo o filme: leitura proibida.

E, concluindo, voltamos a realçar os seguintes aspectos do filme Fahrenheit 451:

- Ao contrário de Spielberg em Minority Report, Truffaut dedicou as quase 2 horas de filme a debruçar-se sobre os meandros do livro; uma abordagem quase científica que não despojou o filme da sua capacidade no campo do entretenimento.

             - As técnicas que tornam o filme uma obra prima de nouvelle vague, através das quais esta adaptação de Truffaut se destaca especialmente pelo trabalho ao nível da cor, do movimento, e do som permitem ao filme equiparar-se ao livro como uma grande obra repleta de referências e simbolismos, e homenageiam apropriadamente a obra cujas palavras o filme traduziu para imagens em movimento.

Debate #2: Pro book Fahrenheit 451 (Ana Ramos, Bruna Duarte, Henrique)

A comparação de um livro à sua adaptação cinematográfica é sempre um tema controverso e difícil de abordar. É inevitável que certos aspetos sejam impossíveis de materializar, devido a limitações tecnológicas, orçamentais ou até morais. No entanto, a versão de Fahrenheit 451 que Truffaut trouxe ao grande ecrã em 1966 peca pela demasia. Apesar do mestre Truffaut, merecedor de grande aclamação por impulsionar a Nova Vaga do cinema francês, ter concebido um filme de grande sucesso em termos de inovação e criatividade, olhando através de uma perspetiva literária, é possível diminuir o seu mérito, em prol da obra original.

O primeiro aspeto a considerar é o modo como as duas obras se vinculam ao tempo. Enquanto que o romance de Ray Bradbury tem vindo a ser estudado através de décadas, fixando-se na história da literatura universal como um clássico, o filme terá uma menor resistência ao tempo, quer pelos assuntos em que se foca (como por exemplo o Nazismo e a Segunda Guerra Mundial) quer pelos efeitos especiais atualmente ultrapassados, e estética peculiar dos anos 60, tal como os figurinos de tendência Mod típica da época, e arquitetura que visava ser futurista mas que acaba por fixar o filme à sua época com mais intensidade. Atribuindo a estes aspetos uma menor importância, considerando-os assim de ordem secundária, devido ao caráter icónico do filme, e ao impacto que proporcionou na carreira do realizador, abordar-se-ão, de seguida, as divergências que poderão ajudar a favorecer o livro.

Vários elementos cruciais para o desenvolvimento da narrativa foram omitidos ou distorcidos, implicando uma deturpação dos sentidos e do simbolismo da história original.

A maior evidência desta deturpação é a omissão de duas personagens extremamente importantes no livro, por aquilo que representam, e pelas emoções que induzem quer no personagem principal, quer no próprio leitor.  Referimo-nos, em primeiro lugar, ao Mechanical Hound, elemento de intimidação e castigo, que representava a opressão governamental. Acreditamos que, sem este elemento no filme, muita da tensão e do medo são perdidos, pois a ausência da ameaça apenas nos faz pensar que quem quebra a lei não vai sofrer grandes consequências.
No extremo oposto deste espectro, temos Faber, que nos momentos mais angustiantes sussurrava ao ouvido de Montag como uma voz da consciência, clara e segura, pronta para o encaminhar na direção certa. Faber serve de mentor a Montag, elucidando-o de como proceder e no fim, onde se dirigir para a sua salvação.
Apesar de se poder argumentar que Truffaut escolheu propositadamente incorporar estes elementos nas novas construções de Clarisse e Mildred, defendemos que este papel duplo (quer literal, quer figurativo) representado pelas personagens femininas se perde pelo caminho. Clarisse foi envelhecida, normalizada e mantida viva, a fim de concretizar a possibilidade de ser olhada como um novo par romântico para Montag, servindo também de mentora, apesar da sua tenra idade e pouca experiência.
Mildred, agora Linda, passou de uma mulher hipnotizada pela Televisão, sem emoções, vivendo à custa de estimulantes, para uma figura feminina atraente e um pouco mais viva. A sua relação com Montag no filme não é tão insípida. Linda chega a oferecer-lhe um presente, e Montag demonstra interesse sexual nela, assim como os técnicos de limpeza ao estômago.

De um modo geral, acreditamos que a falta de emoção e intensidade na obra de Truffaut faz o seu espectador experienciar o filme de um modo mais atenuado, não estimulando uma resposta crítica e reflexiva tão eficazmente como o livro, que acelera a pulsação, e estimula a vontade de querer sempre saber mais, sendo que a única limitação é a imaginação do leitor.

Que redenção para o Sul dos EUA?

Pró (Luís, Helena, Daniel)

É impossível negar que os estados sulistas baseavam a sua economia na escravatura. Mas nem todos possuíam escravos, muitos eram a favor da liberdade e dos direitos decretados pela Declaração de Independência. Assim, durante a guerra a bandeira da confederação não representava apenas a luta pelo direito à escravidão, mas sim o direito a liberdade. Muitos levantaram-se para lutar para defender as suas famílias de imposto elevados que o Norte queria implementar nos estados do sul. Muitos lutaram contra a opressão do Norte. Infelizmente, o que perdurou da Guerra de Secessão foi apenas que os estados sulista lutaram pelo seu direito a escravatura.

É fácil perceber, porém, a negatividade associada à Bandeira da Confederação, visto esta ter sido apropriada pelo Ku Klux Klan, grupo de ódio formado após a derrota do sul, que perseguia indivíduos de raça negra e não só, também assassinava indivíduos de raça branca que tivessem ligações democráticas. A derrota, ainda assim, trouxe algo de bastante positivo ao sul, um crescimento de influência afro-americana e da sua cultura no país, com o nascimento do Jazz, do Blues e do Gospel - e mais tarde o Rap. Onde temos artistas como Ray Charles a ter um tema seu “Georgia on My Mind” como Hino de um Estado sulista. Por outro lado, temos filmes como The Easy Rider, que mostra a busca pela “America the beautiful” e os valores tradicionais típicos do Sul, apenas para encontrar Amerikkka, onde os valores se encontram corrompidos com imagens de zonas outrora dedicadas a agricultura, destruídas por complexos industriais. 

Outro lado importante deste engrandecimento cultural dos estados sulistas foi o desenvolvimento literário que até então era mantido através da oralidade. Estados como o Luisiana, que mantinham um elevado valor de comunidade, desenvolveram escolas e igrejas para afro-americanos e não só indivíduos de raça branca. Este crescimento literário deu origens a romances como o The Invisble Man (Ralph Ellison,  1952), que conta a história de um afro-americano e a sua demanda para obter educação, ou escritores como Harper Lee, que no seu livro How to Kill a Mockingbird (1960) demonstra a luta para manter os valores tradicionais familiares sulistas, explorando não só a situação dos afro-americanos como a dos párias da sociedade, denominados White Trash.     

Contra (Maria Inês, Joana, Camille)

Depois de considerar o passado e a situação actual dos estados sulistas, defendemos que não pode existir redenção para o Sul dos EUA. Ao basear o seu desenvolvimento económico numa instituição como a escravatura, milhões de afro-americanos foram condenados a uma vida miserável de trabalhos forçados e humilhações diárias, sendo-lhes negada uma educação e identidade pessoal. Existem diversas obras literárias que relatam os horrores da escravatura como Adventures of Huckleberry Finn de Mark Twain, Narrative of the Life of Frederick Douglass de Frederick Douglass ou “Slavery’s Pleasant Homes” de Lydia Maria Child.

            A tolerância à escravatura e tentativa de justificação desta instituição baseada em argumentos económicos e religiosos moldou a mentalidade sulista perpetuando e naturalizando uma cultura de descriminação e violência, simpatizante com os ideais racistas que duram até aos dias de hoje e deram origem ao Ku Klux Klan e às leis de Jim Crow. Estas foram baseadas na máxima “separate but equal”, legalizando a segregação racial e impedindo a comunidade afro-americana de exercer o seu direito ao voto, acabando por diminuir as suas oportunidades de emprego, educação e acesso aos cuidados de saúde essenciais.

   Como resposta literária, W. E. B. Du Bois publica The Souls of Black Folk onde expõe as dificuldades sentidas pelo afro-americano na formação da sua identidade resultante de complexos processos de transculturação e opressão cultural. A “double-consciousness” por ele experienciada é consequência, segundo Du Bois, de uma tentativa de conciliação das suas origens africanas com a sua cultura presente, ao mesmo tempo que procura definir-se numa sociedade cujo olhar dominante é incapaz de o reconhecer como indivíduo.

  O desenvolvimento de uma sociedade patriarcal hierarquizada, com a criação de famílias que procuravam inserir-se numa linhagem aristocrática forjada, entra em conflito com o individualismo americano e o conceito do “self-made man”, contrariando a própria Declaração da Independência (“that all men are created equal”).

  O desejo de secessão do Sul que perdura até aos dias de hoje em estados como o Texas, com o “Texas Nationalist Movement”, apenas enfraquece os Estados Unidos, ameaçando a união de todo o país, um conceito que tem sido essencial à vida na América, presente na própria Constituição (“We the People”) e em diversos discursos presidenciais.

   Por fim, os estados sulistas diminuíram a América aos olhos do mundo, impedindo-a de cumprir um dos seus objectivos principais desde a sua génese, o de se tornar um exemplo a seguir. A defesa da escravatura e os actos de violência e descriminação cometidos no Sul contrariam o objectivo estabelecido por Winthrop, “For we must consider that we shall be as a city upon a Hill. The eyes of all people are upon us.”

 

Fahrenheit 451 - Powerpoint

International Women's Day (by Olga Santos)

Hoje, 8 de Março, assinala-se o dia internacional da mulher. Este dia encontra-se intimamente ligado à cultura e história norte-americana e por isso decidi relembrar os motivos da sua existência deixando aqui um pequeno artigo com os seus factos. Numa nota mais pessoal, e como mulher, sinto que a criação deste dia fez sentido, mas já não deveria fazer. Se continuamos a celebra-lo, é porque 169 anos depois ainda muito existe por fazer. 

http://www.newworldencyclopedia.org/entry/International_Women's_Day

HW for March 15

See either the movie Fahrenheit 451 by François Truffaut (1966)

or the play by teatromosca that premiered at the end of 2015
here https://vimeo.com/155217747

and make any comments that come to your mind (although in respect for the structure of your writing)

HW for March 10

Make a list of intertextual references you can identify in Fahrenheit 451 and select one to interpret in relation to its location in the text and relevance to the book.

HW for March 8

Please select a quotation / short excerpt from the 1st part of Fahrenheit 451 and do a (literary) text analysis as best you can. This is your time for trial and error. Please use the comments box!

Some images that inspired teatromosca in their production of Fahrenheit 451

Flannery O'Connor sobre o Grotesco na Ficção Sulista

Muito bom. http://www.openculture.com/2013/04/listen_as_flannery_oconnor_reads_some_aspects_of_the_grotesque_in_southern_fiction_c_1960.html

E para ler ali.

In these grotesque works, we find that the writer has made alive some experience which we are not accustomed to observe every day, or which the ordinary man may never experience in his ordinary life. We find that connections which we would expect in the customary kind of realism have been ignored, that there are strange skips and gaps which anyone trying to describe manners and customs would certainly not have left. Yet the characters have an inner coherence, if not always a coherence to their social framework. Their fictional qualities lean away from typical social patterns, toward mystery and the unexpected. It is this kind of realism that I want to consider.

All novelists are fundamentally seekers and describers of the real, but the realism of each novelist will depend on his view of the ultimate reaches of reality.

(...)

The direction of many of us will be more toward poetry than toward the traditional novel.

The problem for such a novelist will be to know how far he can distort without destroying, and in order not to destroy, he will have to descend far enough into himself to reach those underground springs that give life to big work. This descent into himself will, at the same time, be a descent into his region. It will be a descent through the darkness of the familiar into a world where, like the blind man cured in the gospels, he sees men its if they were trees, but walking. This is the beginning of vision, and I feel it is a vision which we in the South must at least try to understand if we want to participate in the continuance of a vital Southern literature.

Análise de Os Pós Modernos de Rui Reininho (por Miguel Mira)

No letra da canção Os Pós Modernos, de Rui Reininho, é clara a presença do surrealismo, quer na forma quer no conteúdo, que são interdependentes. Na forma, é evidente o uso errático da pontuação e da irregularidade da métrica e dos versos propriamente ditos. Já o conteúdo, superficialmente, na primeira estrofe, parece cingir-se à mistura e enumeração de produtos relativamente modernos à época ("Compact D"), ou de outra forma tidos como impactantes ao ponto de não parecerem obsoletos mesmo tendo sido passados vários anos desde a sua génese (DDT, Kleenex, "Twist Again", disco sound).

    A supracitada primeira estrofe revela-se caótica, misturando vários tipos de conceitos (veneno, alimentos, soluções arquitectónicas, canções). Este tipo de composição revela uma pretensão de provocar no leitor/ouvinte uma sensação de dissociação e invasão, sendo a confusão o mote para o protesto: o sujeito lírico está descontente com a inovação e, principalmente, a publicidade desta, por serem desenfreadas ("(...)discussão?" aparece sugerindo um reforço na complexidade arbitrária de todos estes novos conceitos, e "(...) compre aqui?" alude a essa mesma publicidade).

    Por outro lado, na segunda estrofe, o caos antes evocado dá lugar a uma exposição de ideias claras mas complexas e metafóricas. No primeiro verso, o conceito de maternidade pode ser visto como uma metáfora para a criação, e o autor confronta esse conceito com o de humanidade, através da palavra "homem" – um homem que é Mãe independentemente do seu género (será relevante tomar nota do facto de o sujeito lírico apontar isto como sendo desejável, rejeitando o machismo e a misoginia frequentemente demonstrados no Portugal dos anos 80). Continuando com a ideia de confronto, é em 1986 normal ser-se o melhor "para os novos pobres deste colégio interno". O uso de "novos pobres" como inversão de "novos ricos" remete para uma noção de pobreza de espírito, literalmente, sem relação com a capacidade monetária necessária para frequentar o colégio, que é a sociedade à luz de quem testemunhou as referidas inovações. Seguem-se duas reflexões mais pessoais, com talvez uma justificação ou apologia do sujeito lírico em relação aos medos que até aí expôs - possivelmente teme a globalização desmedida porque é artista, “naturalmente” (auto-ironia) - e a declaração de que a embriaguez (não só de substâncias mas de consumismo) é a desistência.

    A isto segue-se um apontamento interessante, que remete novamente para a justificação, mas desta vez num contra-argumento dos possíveis detractores do poeta: “E dantes as máquinas estavam sempre a avariar”.

    A última estrofe, por fim, e na mesma senda, apresenta uma linguagem polida e um exagero das qualidades dos "pós modernos" (remetendo ao tipo de linguagem e retórica usadas na publicidade) - "nada complicados". Segue-se uma mudança no tom do conteúdo, que devido à continuação da forma, não é de percepção imediata – os pós modernos "agarram a angústia e fazem dela uma (...) indústria". Esta mudança torna esses versos numa crítica explícita, em contraste com o resto do poema, no qual há sobretudo sátira, ironia e o surrealismo como disfarce pouco conseguido, fácil de eliminar por quem o queira fazer. Os dois últimos versos marcam a etapa final da gradação negativa que acontece ao longo do texto - são explicitamente negativos (“nada”, “nunca”).

HW for March 1

Choose a quotation or short excerpt (your favorite) from the book Fahrenheit 451, and analyse it according to the following
topics for text analysis
theme(s) and structure; 
importance of the text within the context of the author’s work and time; 
subject of the enunciation;
 point of view and effect upon the reader/addressee;
 rhetoric and linguistic devices and language tropes
symbolism, 
innovation / surprising markers, collocations, 
pattern traces within the author’s work
 intertextuality with texts studied in this class or others.